Guide des techniques d’animation pour les débutants

Donner vie à des images et des objets fixes et statiques grâce au processus d’animation est l’une des formes d’art les plus magiques et les plus divertissantes. Bien que les rudiments de l’animation remontent aux peintures rupestres du paléolithique, on peut dire que l’émergence de l’industrie cinématographique et les efforts de Walt Disney ont fait pour l’art de l’animation ce que l’animation a fait initialement pour les dessins : ils leur ont donné vie. Pour la première fois, des spectateurs enthousiastes ont pu découvrir de leurs propres yeux l’imagination d’artistes partagée par le biais d’un média capable d’éduquer et de divertir les masses.

L’essence de l’animation a en fait été introduite au 19e siècle lorsqu’en 1868, John Barnes Linnett a breveté le “Flip Book”. Connu également sous le nom de “Flick Book” ou “Kineograph”, le spectateur tient dans une main un livre d’images relativement petit et le “feuillette” littéralement de l’autre main en appuyant le pouce sur les pages tout en pliant légèrement le papier. En utilisant la persistance de la vision pour créer une illusion d’optique, l’œil perçoit un mouvement continu à partir d’une série de dessins presque exacts, mais qui varient progressivement. En 1912, l’un des fondateurs de l’école de pensée Gestalt, Max Wertheimer, a baptisé cette illusion le “Phénomène Phi”.

En quelque sorte un hybride artistique, mi-livre, mi-cinéma, cette perception du mouvement sera à l’origine de la théorie du cinéma d’Hugo Munsterberg.

Les types d’animation

Alors que l’industrie du divertissement utilisait les avantages des progrès scientifiques aux 20e et 21e siècles, le domaine de l’animation a connu des changements et des développements majeurs. Au 20e siècle, la plupart des animations étaient “classiques” ou “traditionnelles”. Avec l’avènement de technologies sophistiquées, diverses phases de développement ont conduit à l’abandon de l’image dessinée à la main et à l’émergence d’une imagerie sophistiquée générée par ordinateur ou “CGI”. L’animation ne dépendait plus de l’habileté de l’artiste à dessiner, mais plutôt de sa maîtrise des logiciels d’animation et des techniques de programmation.

L’animation traditionnelle

Avant l’émergence de la mécanisation dans le domaine de l’art, l’animation classique était appelée “animation cel” ou “dessinée à la main”. Comme ce dernier terme l’indique, chaque personnage ou objet était dessiné par l’artiste dans les moindres étapes du mouvement. Chacun de ces dessins était réalisé sur une feuille d’acétate ou “cel”.

C’est cette animation que l’on retrouve dans le flip-book. En combinant la vitesse de visualisation et les changements infimes de dessin, on a l’impression qu’il y a un mouvement. Cependant, le mouvement est une illusion d’optique ou, comme nous l’avons mentionné précédemment, résulte du phénomène pi.

Si l’on considère la quantité d’efforts et la précision requises pour chaque image, on peut en déduire que le processus est long, laborieux et coûteux. L’art de l’animation ayant été initialement promulgué par l’industrie du divertissement, les dirigeants d’entreprise motivés par le profit étaient prêts à accueillir l’arrivée de techniques moins coûteuses.

L’animation stop-motion

La théorie de base de l’animation traditionnelle est utilisée dans l’animation image par image, mais ce qui est animé passe de quelque chose dessiné à la main à un objet fait d’un certain nombre de matériaux : argile, bois, plastique, verre et papier, pour n’en citer que quelques-uns. Le “Gumby Show” est un exemple d’une émission de télévision populaire créée avec l’animation image par image. Dans cette technique, le ou les objets sont photographiés à différents stades d’altérations presque imperceptibles. Lorsqu’ils sont montrés en succession rapide, l’illusion d’un mouvement indépendant est créée alors qu’en fait, il n’y en avait pas, en l’absence de changement continu de placement par l’animateur. Aussi divertissantes qu’aient été et que soient ces créations pour des publics de tous âges, comme pour le mode traditionnel d’animation dessinée à la main, le processus s’est avéré exigeant en main-d’œuvre et coûteux et est donc rarement utilisé.

L’animation numérique

Si le terme “numérique” désignait autrefois de mystérieux appareils de pointe, il est aujourd’hui un adjectif courant utilisé pour décrire une multitude d’objets et de processus. L’animation numérique est la méthode la plus rentable et la plus répandue pour produire des animations à toutes sortes de fins, et elle s’applique aussi bien aux projets 2D que 3D. Les images générées par ordinateur (CGI) sont construites sur un écran d’ordinateur, un processus également appelé modélisation. Pour l’animation 2D, la théorie traditionnelle de l’animation est appliquée par le biais d’images clés avec superposition. Le mouvement est généré par des calculs informatiques automatisés qui “entrelacent” ou “morphent” l’objet de l’animation, créant des images variables qui sont ensuite rendues selon les besoins.

Comme vous l’avez sans doute deviné, l’animation 3D est un peu plus compliquée. Comme précédemment, l’animateur commence par créer un modèle sur l’ordinateur. Le processus de modélisation peut se faire de plusieurs manières différentes. Les objets sont modélisés par des squelettes ou un maillage de polygones qui servent à créer des dimensions visuelles au sujet. Le modèle ressemble souvent à une marionnette ou à un pantin avec des ficelles.

Techniques supplémentaires de modélisation 3D

Rendu 3D photoréaliste

Cette forme d’art numérique crée des images réalistes qui peuvent être utilisées à des fins médicales, scientifiques, ludiques, architecturales, éducatives et bien d’autres encore. La clé de cette méthode est le réalisme et la ressemblance avec la réalité, souvent en dépit de décors et de circonstances grotesques. On retrouve souvent cette technique dans les films qui décrivent des événements tels que des voyages sous-marins, des cascades en avion, des catastrophes naturelles ou d’autres cataclysmes. Cependant, elle est également utilisée pour la reconstitution d’accidents, la publicité créative et d’autres représentations plus générales.

Ombrage Cel

Presque une méthode “2 pas en avant et 1 pas en arrière”, le cel-shading ou flat-shading prend un modèle 3D et restreint les couleurs et les teintes de l’ombrage pour que l’image paraisse plus plate – un peu comme l’animation traditionnelle. Bien que cette méthode ne soit pas très populaire dans l’industrie du cinéma et de la télévision, elle est fréquemment utilisée dans l’industrie des jeux vidéo.

Capture de mouvement

La capture de mouvement consiste à prendre la figure en maillage polygonal décrite ci-dessus et à la surcharger ou à lui insuffler des mouvements réalistes et authentiques. L’une des techniques d’animation les plus populaires dans les secteurs du cinéma, de la télévision et des jeux vidéo, ces sujets mobilisés surhumains ou ultra-vivants sont produits lorsque les logiciels informatiques et les compétences des animateurs se combinent pour créer des mouvements en faisant coïncider les “points” du modèle avec la dynamique du mouvement réel.

En conclusion

Que vous ayez touché à l’une ou l’autre des techniques mentionnées ci-dessus ou que vous vous intéressiez à ce sujet pour la première fois, le monde de l’animation est un monde d’intrigue, d’expansion et de technologie de pointe. En tant qu’artiste, vous devez être passionné par les domaines de l’animation de conception et de l’infographie, et être prêt à “apprendre les ficelles” patiemment, pour ainsi dire.

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